Der Weg der Kunst des 20. Jahrhunderts besteht aus Etappen, die die fortschreitende Aufhebung der grundlegenden Kanons der traditionellen Malerei markierten, die sich im Prinzip der Wahrhaftigkeit des Bildes in Bezug auf die Realität durch Perspektive, Plastizität und Farbtreue zusammenfassen lassen. Seit dem Impressionismus hat sich die Kunstgeschichte zunehmend von diesen Prinzipien distanziert und die Bildforschung dazu veranlasst, Bereiche zu erkunden, die bis dahin außerhalb der Regeln zu liegen schienen.
Der Expressionismus hatte diese Regeln im Namen der Notwendigkeit, die inneren Bedürfnisse des Künstlers zum Ausdruck zu bringen, auf den Kopf gestellt. Der Kubismus treibt die Zerstörung des Grundprinzips der akademischen Kunst, der Perspektive, aufs Äußerste. Schon in der postimpressionistischen Zeit war Paul Cezanne derjenige, der die Perspektive bewusst verformte. Die verschiedenen Teile, aus denen seine Gemälde bestehen, sind fast alle in einer perspektivischen Beziehung zueinander angeordnet, jedoch aus unterschiedlichen Blickwinkeln, wodurch das Grundprinzip der Perspektive zerstört wird: die Einzigartigkeit des Blickwinkels. Picasso, der über Cezannes Lektion nachdenkt, zieht die Verschiebung und Vielfalt der Standpunkte bis ins Äußerste. In seinen Gemälden bestehen die Bilder aus Fragmenten der Realität, die alle aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet und in einer völlig originellen Simultansynthese zusammengesetzt werden. In der traditionellen Perspektive erforderte die Wahl eines einzigen Standpunkts, dass der Maler nur einige Seiten der Realität betrachten musste. In Picassos Gemälden wird das Objekt aus einer Vielzahl von Blickwinkeln dargestellt, um eine „gesamte“ Darstellung des Objekts zu erhalten.
FENSTER MIT KUBISTISCHEM STILLLEBEN
Dieses Werk Picassos ist Teil einer Serie von rund zwanzig Stillleben ähnlicher Komposition, die der Künstler zwischen 1919 und 1920 während und im Anschluss an einen Aufenthalt bei seiner ersten Frau, der russischen Tänzerin Olga Koklova, in Saint-Raphaël an der französischen Riviera schuf
In diesen Stillleben erforscht Picasso weiterhin die Darstellung des Guéridon (des Serviertisches am Tisch), der normalerweise vor einem Fenster platziert und mit einer Reihe von Gegenständen kombiniert wird, unter denen die Gitarre nie fehlen darf. Stillleben hingegen war das Genre, das sich am besten für eine kubistische Analyse der Strukturprinzipien fester Formen eignete, die in einem konkreten und disziplinierten Raum komponiert wurden.
Im Gegensatz zu den vor 1919 gemalten Stillleben, die in geschlossenen Räumen dargestellt wurden und bei denen der Guéridon an Wänden oder Vorhängen angebracht war, taucht in dieser Serie das Thema des Fensters auf, ein Element, das zu einer langen Tradition der Bildtheorie gehört und die Metapher von darstellt das Gemälde selbst
Beachten Sie, wie in diesem Gemälde die Elemente erkennbar bleiben; einige davon, wie das Fenster und das Balkongeländer, sind völlig naturalistisch dargestellt. Tatsächlich war Picasso 1917 in Rom gewesen und dieser Aufenthalt hatte die Begegnung des Künstlers mit der italienischen Renaissance-Malerei bestimmt, die ihn zu jenem radikalen stilistischen Wendepunkt der „klassischen Periode“ führte, der auf den analytischen Kubismus und den synthetischen Kubismus folgte.
Diese Tischreihe ist, wenn man sie als Ganzes betrachtet, bezeichnend für diese Entwicklung in der Malerei Picassos, wo die Elemente des synthetischen Kubismus (Zerlegung der Realität, gleichzeitig aus mehreren Blickwinkeln dargestellt, Bedeutung der Farben, Vereinfachung der Kompositionen) vorhanden sind verbunden mit dem Klassizismus, also mit der Wiederbelebung naturalistisch-figurativer Elemente und traditioneller Themen.
Die Zeit nach dem Ersten Weltkrieg markierte eine große Verbreitung des Kubismus und es war jedoch auch die Zeit, in der seine Begründer begannen, nach neuen Ausdrucksformen zu suchen. Picasso gibt die kubistischen Experimente nicht auf, aber er verspürt nicht mehr den Drang, die komplexen formalen und räumlichen Probleme zu untersuchen, die ihn zehn Jahre zuvor beschäftigten, und fühlt sich frei, woanders hinzuwandern.
Die Liste der Künstler, die sich mit dem Thema Stillleben am Fenster beschäftigt haben, wäre zu lang.
Noch im kubistischen Kontext war einige Jahre zuvor ein Gemälde von Juan Gris entstanden.
In den vergangenen Jahren (und auch in den folgenden) ist dies ein Motiv, das sich im Werk von Henri Matisse mehrfach bewegt. Von Gauguin bis De Chirico, von Masson bis Guttuso hat uns die Kombination Stillleben/Fenster immer ermöglicht, die Instanz der Landschaft (die den Blick auf einen Fluchtpunkt außerhalb des Gemäldes lenkt) mit der Instanz des Stilllebens zu verbinden Struktur auf ganz unterschiedliche Raumformen.
Stillleben ist eine Art bildlicher Darstellung, die aus der Darstellung unbelebter Objekte besteht: Früchte, Gold, Fische und totes Wild, Bücher und Musikinstrumente sowie Objekte verschiedener Art. Der Ausdruck Stillleben leitet sich vom französischen Wort „nature morte“ ab, das etwa in der Mitte des 18. Jahrhunderts aufkam. Bis zu diesem Zeitpunkt wurde die betreffende Bildgattung mit einem Begriff bezeichnet, der „stille, stille Natur“ bedeutete: Stilleven (Niederländisch), Stilleben (Deutsch), Still-life (Englisch).
Dabei handelt es sich um Ausdrücke, die ein negatives Werturteil über die „lebendige Natur“ der Malerei implizieren, deren Protagonist der Mensch ist (Historienmalerei). Unter diesem Gesichtspunkt ähnelt ihr Schicksal dem der Landschaftsmalerei und der Genreszenen (die das tägliche Leben der einfachen Leute darstellen), die sich im 17. Jahrhundert als eigenständige Bereiche etablierten und von der Akademikerschaft in die unteren Schichten der Hierarchie verbannt wurden von Bildgattungen, an deren Spitze die Historienmalerei steht, die sich auf heilige Geschichte, Mythologie, Literatur beruft und deren Protagonist daher der Mensch ist (nicht der gewöhnliche, sondern der Held, der Anführer oder der Mann der Macht) und sein tapferes, vorbildliches und öffentliches Handeln.
Viele Gemälde sind mit unbelebten Objekten gefüllt, die jedoch keine Stillleben sind. Um eins zu werden, müssen die Objekte nach genauen illusionistisch-räumlichen Regeln aufgestellt werden. Was bei der räumlichen Konstruktion des Stilllebens sofort ins Auge fällt, ist der Verzicht auf perspektivische Mittel, insbesondere die Verweigerung der Tiefe. Dies geschieht sowohl durch die Wahl des Nahansichtspunkts als auch durch die Eliminierung des Hintergrunds als unendlichen Raum. Das Stillleben, das auf perspektivische Tiefe verzichtet, baut für den Betrachter ein „Blicksystem“ auf, das weniger starr und bindend ist als das perspektivische und es ihm ermöglicht, sich auf elastischere Weise im Raum zu positionieren.
Obwohl sich Stillleben seit der Antike aneinander reihen, entwickelte es sich erst im 17. Jahrhundert zu einer eigenständigen Bildgattung. Neben dem Stillleben entstanden in diesem Jahrhundert auch die Landschafts- und Interieurmalerei als eigenständige Gattungen. Alle drei dieser Genres folgen zudem ganz bestimmten Regeln. Hierzu gehören „räumliche“ Darstellungsmittel: Das Stillleben ist mit einer Fläche verbunden, auf der die Gegenstände angeordnet sind, zum Beispiel einem Tisch, die Landschaft ist oft mit einem Fenster verknüpft, als Werkzeug zur Tiefenerzeugung dient die Innenansicht im Zusammenhang mit einer Tür.
Diese Gemälde, die Stillleben vor einem Fenster platzieren, stellen daher ein Spiel zwischen den Genres und die Suche nach einer Beziehung zwischen zwei verschiedenen Raumorganisationen dar (Tisch und Fenster, die zerdrückte Frontalität des Stilllebens mit der perspektivischen Tiefe der Landschaft). ) , einander gegenüber.
